‘Vita da Carlo 4’: la memoria, il disincanto e l’arte di sapersi congedare
La stagione finale della serie creata, diretta e interpretata da Carlo Verdone: una commedia esistenziale prodotta da Filmauro e disponibile su Paramount+ dal 28 novembre
La quarta stagione di Vita da Carlo — commedia esistenziale creata e interpretata da Carlo Verdone e diretta insieme a Valerio Vestoso, prodotta da Filmauro e distribuita da Paramount+ da venerdì 28 novembre — rappresenta non solo il capitolo conclusivo di un esperimento narrativo stimolante nella serialità italiana, ma anche un gesto artistico controcorrente: chiudere quando la storia ha detto ciò che doveva dire. In un’epoca in cui molte produzioni si allungano per inerzia, seguendo le logiche dell’algoritmo più che quelle dell’autorialità, Verdone compie un atto di sobrietà quasi anacronistica. E proprio in questo congedo — meditato, privo di clamore, calibrato — la serie trova una sorprendente forza. Questa stagione finale è la più matura e consapevole del progetto: un racconto che non cerca di rassicurare lo spettatore, ma di accompagnarlo in un territorio più intimo, dove l’autobiografia si intreccia con l’ironia, la malinconia e la riflessione sul tempo che passa.
Il motore simbolico della stagione è la scelta del protagonista, un Verdone tormentato che fatica a ritrovarsi, di accettare un incarico come docente al Centro Sperimentale di Cinematografia. È un’idea che funziona sia sul piano comico, sia su quello allegorico: vedere un regista cresciuto nella «vecchia scuola» confrontarsi con studenti abituati a un mondo audiovisivo liquido, rapido, digitale, produce un cortocircuito irresistibile.
Da una parte l’esperienza artigianale, nutrita di maestri e cineclub; dall’altra una generazione cresciuta nell’ecosistema delle piattaforme, dove lo sguardo cinematografico si confonde facilmente con quello social. Il conflitto non è caricaturale, non diventa mai guerra ideologica. È piuttosto la fotografia di un cambio di paradigma che Verdone osserva con un misto di stupore, smarrimento e, talvolta, sincera curiosità.
La malinconia come chiave narrativa
La forza della stagione risiede anche nella naturalezza con cui accoglie la malinconia come elemento drammaturgico. Verdone non la teme: la lascia filtrare come una luce obliqua che entra dalle finestre della vita quotidiana. Non c’è vittimismo, non c’è languore forzato.
Ogni episodio contiene un momento sospeso, una piccola resa dei conti con ciò che si perde col tempo: energie, desideri, illusioni. Questa malinconia non è mai esibita, ma insinuata con discrezione, e per questo funziona: è la parte più autentica della serie, quella che le permette di spingersi oltre la semplice commedia.
La maschera cade: un protagonista più vero
Questa stagione mostra un Verdone finalmente libero dall’obbligo di piacere. Il suo personaggio è spigoloso, insofferente, a volte persino inopportuno, ma proprio in queste imperfezioni trova una verità più piena.
È qui che emerge il tratto più riuscito: Verdone interpreta sé stesso con una sobrietà abile, fondendo le sue diverse maschere – quella comica, quella malinconica, quella più disillusa – in un’unica figura coerente e naturale. Non c’è artificio, non c’è compiacimento: solo la sicurezza dei maestri, capaci di far convivere autobiografia e invenzione senza che lo spettatore percepisca lo stacco.
La serialità, più del cinema, gli permette di mostrarsi nei dettagli: esitazioni, rigidità, goffaggini diventano materia narrativa senza mai scivolare nel narcisismo. Un ritratto sincero, talvolta crudele, ma sempre attraversato da un’ironia che lo salva dall’autocommiserazione.
Tra polemica e nostalgia: il cinema che cambia
La stagione è attraversata da un sottile filo meta-cinematografico: la crisi del cinema italiano, la trasformazione dei suoi linguaggi, la fragilità delle narrazioni contemporanee. Le discussioni con gli studenti e con i colleghi, le frizioni creative, il confronto con idee che non riconosce più come proprie: tutto diventa un modo per riflettere su cosa significhi essere un autore oggi.
Non mancano stoccate all’omologazione culturale e al politicamente corretto, ma non si tratta mai di invettive. Il cameo di Alvaro Vitali, nella sua ultima apparizione, aggiunge una nota elegiaca che fa vibrare l’intera stagione: è il cinema che fu, evocato non per nostalgia museale ma come atto d’affetto verso un passato che continua a raccontarci.
La stagione include inoltre un delicato richiamo al padre di Verdone, un omaggio intimo e discreto che intreccia la memoria personale con la narrazione della serie.
La dialettica Verdone–Rubini: rivalità e specchio
Tra i personaggi più riusciti spicca quello interpretato da Sergio Rubini, collega e antagonista al Centro Sperimentale. Il loro rapporto diventa un terreno di confronto continuo, fatto di battute, sguardi e tensioni sottili: non un semplice duello comico, ma un gioco di intelligenze e personalità che si sfidano e si misurano a ogni scena.
La loro dinamica, a tratti definibile come quella di «migliori nemici», mostra come due modi diversi di affrontare il lavoro e la vita possano entrare in collisione senza mai cadere nella caricatura. I dialoghi sono vivaci, talvolta pungenti, talvolta pieni di affetto nascosto, e creano momenti di reale suspense emotiva e comicità calibrata, conferendo ai due interpreti uno spazio di reciproca valorizzazione.
Regia e costruzione del racconto
La regia, condivisa tra Verdone e Valerio Vestoso, mantiene un equilibrio tra sobrietà e sperimentalità. Pur seguendo una linea narrativa chiara, la serie gioca con diversi linguaggi cinematografici, passando dalla commedia esistenziale al giallo, al dramma intimista, talvolta con inserti meta-cinematografici.
Questo approccio rende ogni episodio un piccolo esperimento visivo e narrativo, con scelte di montaggio, inquadrature e atmosfere pensate per servire l’emozione più che il genere. Anche se alcuni episodi risultano meno compatti, la capacità di oscillare tra registri diversi conferisce alla stagione un dinamismo interessante nella serialità italiana.
Il tema vero: l’arte del commiato
Alla fine, ciò che rimane è la sensazione di aver assistito a un addio composto e coraggioso. Vita da Carlo 4 non è solo un finale: è una riflessione sulla dignità del commiato. Concludere quando la materia narrativa è esaurita è, oggi, un gesto quasi rivoluzionario. Verdone chiude perché sente di non avere altro da aggiungere: non per stanchezza, ma per lucidità.
E questa lucidità diventa la cifra emotiva della stagione. La comicità, qui, si intreccia con il disincanto e la memoria: diventa una forma di verità. E quella verità — pudica, umana, capace di ridere anche quando fa male — è l’eredità più preziosa che la serie lascia al suo pubblico.
