Cannes 2026, 18 maggio: fratture d’identità e cinema dopo il tramonto

Il 18 maggio, il Festival di Cannes entra in una fase particolarmente affascinante della sua evoluzione. Il Concorso si stringe attorno ad alcune delle voci autoriali più rigorose d’Europa, mentre le sezioni collaterali spingono il Festival verso territori emotivi e stilistici sempre più instabili.

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Sulla Croisette, le ansie ricorrenti di questa edizione – identità frammentata, pressione istituzionale, traumi ereditati e alienazione sociale – iniziano ad assumere forme più strane, oscure e provocatorie.

È anche uno degli esempi più lampanti della capacità unica di Cannes di riunire cinema radicalmente diversi all’interno dello stesso ecosistema: dramma filosofico, realismo politico, body horror, cronaca sociale e ricostruzione storica si sviluppano simultaneamente sotto lo stesso vessillo del festival.

Concorso principale: Corpi, credenze e la violenza del giudizio sociale

La selezione in concorso riunisce due film che affrontano il tema dell’identità attraverso prospettive profondamente diverse. L’Inconnue vede Arthur Harari avventurarsi in territori psicologici e forse metafisici attraverso la storia di un fotografo fallito che si risveglia nel corpo di una donna sconosciuta dopo una notte di eccessi. La premessa evoca immediatamente interrogativi su genere, proiezione e identità, ma il cinema di Harari ha sempre resistito a semplici inquadrature concettuali. Piuttosto che una convenzionale narrazione di scambio di corpi, L’Inconnue sembra destinato a diventare una meditazione sulla percezione stessa, sulla terrificante instabilità tra come le persone vedono se stesse e come vengono viste dagli altri.

Più tardi, in serata, Fjord riporta Cristian Mungiu alle ambiguità morali e alle ipocrisie collettive che da tempo caratterizzano il suo lavoro. Ambientato in una famiglia religiosa rumeno-norvegese che vive vicino a un fiordo remoto, il film trasforma gradualmente le preoccupazioni per il benessere dei figli in un’analisi più ampia delle differenze culturali, dell’autorità genitoriale e del sospetto comunitario. Come sempre con Mungiu, il dramma sembra meno interessato all’innocenza o alla colpa che al soffocante meccanismo del giudizio stesso.

Première a Cannes e Cinema di Mezzanotte spingono verso la reinvenzione

Al di fuori del Concorso, il Festival oscilla bruscamente tra umanesimo emotivo, memoria politica e febbrile sperimentazione di genere. Aquí, presentato in anteprima a Cannes, si dispiega come una profonda riflessione filosofica sulla genitorialità e l’appartenenza. In un mondo in cui gli individui iniziano la vita “senza un passato”, Guedes costruisce un fragile nucleo familiare costantemente costretto a reinventarsi contro le pressioni del conformismo sociale. L’enfasi del film sull’immaginazione, l’incertezza e l’apertura emotiva si allinea strettamente con lo spirito più introspettivo di Cannes 2026.

Nel frattempo, la proiezione speciale di L’Affaire Marie-Claire ripercorre una delle battaglie legali femministe più significative della storia francese moderna. Incentrato sulla figura dell’avvocatessa Gisèle Halimi e sul processo all’aborto del 1972 che ha trasformato i diritti delle donne in Francia, il film trasforma il dramma giudiziario in un confronto politico più ampio. In un Festival sempre più interessato ai sistemi di potere ed esclusione, la sua presenza risulta particolarmente significativa.

Poi arriva la discesa notturna in Her Private Hell. Presentato tra Séances Spéciales e Séances de Minuit, l’incubo futuristico di Nicolas Winding Refn, ambientato in una metropoli avvolta dalla nebbia e popolata da un’entità invisibile e letale, promette di infondere a Cannes proprio quel tipo di eccesso ipnotico e intriso di neon che il regista ha coltivato nel corso della sua carriera. Se gran parte di Cannes 2026 è stata emotivamente introspettiva, Refn arriva per trascinare il Festival in qualcosa di primordiale, violento e allucinatorio.

Semaine e Quinzaine esplorano le comunità sull’orlo del baratro

Alla Semaine de la Critique, Tin Castle offre uno dei ritratti più realistici della precaria sopravvivenza del Festival. Seguendo una famiglia di nomadi irlandesi che vive in una roulotte fatiscente e minacciata di sfratto, il film esamina la resistenza culturale attraverso piccoli gesti, ritmi domestici e resilienza collettiva. La sua forza emotiva sembra radicata proprio in ciò che il cinema mainstream spesso trascura: vite ordinarie che resistono alla scomparsa.

La Quinzaine des Cinéastes prosegue la sua straordinaria varietà con tre film legati dalla memoria e dalla rottura emotiva. Once Upon a Time in Harlem ricostruisce uno storico incontro del 1972 tra figure dell’Harlem Renaissance che riflettono sull’arte e sulla trasformazione culturale, mentre Too Many Beasts mescola ansia ecologica e instabilità psicologica nella Francia rurale. Infine, The Female Dog trasforma la scomparsa di un cucciolo randagio su una remota isola cilena in un’esplorazione di traumi infantili sepolti.

Il cinema sull’orlo della trasformazione

Ciò che rende il settimo giorno così avvincente è la sua costante instabilità. Questi sono film che parlano di identità che si dissolvono, comunità che si frammentano e certezze emotive che crollano sotto pressione. Eppure Cannes 2026 non presenta mai questa instabilità come puramente distruttiva. Più e più volte, il Festival suggerisce che la trasformazione – per quanto dolorosa – possa anche essere necessaria.

Che si tratti dei corpi in continuo mutamento di Harari, dei conflitti morali di Mungiu, delle allucinazioni apocalittiche di Refn o delle fragili solidarietà che emergono nelle sezioni collaterali, il settimo giorno rivela un Festival sempre più affascinato da ciò che accade quando le strutture su cui le persone fanno affidamento non reggono più.

E forse è per questo che questo Cannes appare così vivo: non perché offra risposte, ma perché non teme l’incertezza, la contraddizione e la terrificante libertà che emerge quando ogni certezza scompare del tutto.

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