Cannes 2026, 13 maggio: corpi in transizione, ricordi in rivolta

Già al suo secondo giorno ufficiale, il Festival di Cannes 2026 inizia a svelare la sua architettura emotiva.

Attraverso la Competizione principale, la Semaine de la Critique e la Quinzaine des Cinéastes, emerge una sorprendente corrente tematica: corpi sotto pressione, identità in continuo mutamento e individui intrappolati tra eredità e reinvenzione.

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Se il giorno d’apertura è tradizionalmente dedicato allo spettacolo, il secondo giorno appartiene all’interiorità: ai film che si interrogano su cosa resti di noi quando l’amore, la storia, la famiglia o persino il sé iniziano a sgretolarsi.

La Competizione principale trova il ritmo

‘La Vie d’une femme’, regia di Charline Bourgeois-Tacquet

La Competizione vera e propria muove i primi passi decisivi con due opere radicalmente diverse ma inaspettatamente complementari: Nagi Notes (Quelques jours à Nagi) di Fukada Koji e La Vie d’une femme (A Woman’s Life) di Charline Bourgeois-Tacquet. Insieme, creano un’atmosfera festivaliera iniziale definita meno dalla grandiosità che dall’esplorazione emotiva.

In programma al Grand Théâtre Lumière nel pomeriggio, Nagi Notes di Fukada sembra destinato a proseguire la fascinazione della regista giapponese per il silenzio emotivo e l’ambiguità morale. Ambientato nella quiete rurale di Nagi, il film segue Yoriko, un’artista incapace di elaborare il lutto per un amore passato, e Yuri, un’architetta recentemente separata che fugge da Tokyo in cerca di un rifugio temporaneo.

La premessa suggerisce un dramma da camera di delicate calibrazioni: due donne sospese tra la memoria e la reinvenzione, confrontate con la terrificante possibilità che l’identità stessa possa essere inseparabile dal dolore. L’ambientazione rurale del film assume un significato particolare nel più ampio panorama del festival di quest’anno.

Cannes 2026 ha già mostrato segni di un allontanamento dall’accelerazione e dallo spettacolo per avvicinarsi a territori più pacati di osservazione psicologica. Il cinema di Fukada, spesso attento ai residui emotivi piuttosto che alle rotture drammatiche, potrebbe diventare uno dei tratti distintivi di questa prima edizione del concorso.

Se Nagi Notes si occupa dei fantasmi della vita emotiva, La Vie d’une femme di Charline Bourgeois-Tacquet indaga i meccanismi stessi dell’esistenza contemporanea. Gabrielle, una chirurga cinquantacinquenne consumata dalla responsabilità professionale e dagli obblighi familiari, diventa oggetto di osservazione quando una scrittrice entra nella sua orbita. La situazione introduce immediatamente un interrogativo destabilizzante: cosa succede quando una vita costruita sul controllo viene narrata da un altro sguardo?

La premessa di Bourgeois-Tacquet suggerisce un dramma non semplicemente sul burnout o sulla reinvenzione, ma sulla performance: i ruoli che le donne ricoprono all’interno delle istituzioni, delle relazioni e dei corpi che invecchiano. La sala operatoria diventa sia luogo di lavoro letterale che teatro metaforico.

Cannes premia da tempo i film incentrati sulla soggettività femminile che resistono alla semplificazione, e La Vie d’une femme si preannuncia già come uno degli studi di personaggio più intellettualmente profondi del concorso.

Peter Jackson e la questione dell’eredità

Al di fuori della competizione, uno degli eventi più attesi della giornata è l’incontro pubblico di Peter Jackson alla Salle Debussy. Il regista neozelandese occupa una posizione singolare nel cinema contemporaneo: allo stesso tempo architetto populista della mitologia dei blockbuster e cineasta profondamente impegnato nella preservazione della memoria cinematografica stessa.

La presenza di Jackson ha un particolare peso simbolico in un festival sempre più interessato al futuro del cinema in sala. Il suo recente lavoro di restauro di filmati d’archivio e di rivisitazione della storia del cinema lo ha trasformato in qualcosa di più di un semplice regista: un custode dell’immaginario cinematografico collettivo. In un’edizione di Cannes dominata da autori emergenti e narrazioni intime, la presenza di Jackson funge quasi da ponte tra lo spettacolo industriale e la devozione cinefila.

È quindi probabile che il dibattito che lo riguarda vada oltre la nostalgia. Diventa una riflessione sulla paternità, sull’eredità e sulla strana persistenza dei mondi cinematografici anche molto tempo dopo la scomparsa dei loro creatori.

Settimana della Critica: I giovani ai confini della storia

‘In Waves’, regia di Phuong Mai Nguyen

All’Espace Miramar, la 65ª Settimana della Critica si apre con un accostamento che incarna la missione di lunga data della sezione: scoprire giovani cineasti capaci di trasformare storie intime in testimonianze politiche ed emotive.

Il film d’apertura di Phuong Mai Nguyen, In Waves, evoca inizialmente i contorni di una storia d’amore contemporanea di formazione: skateboard, surf, il primo amore sotto il sole della California. Tuttavia, l’irruzione di una malattia improvvisa sposta la narrazione verso la fragilità e l’impermanenza.

L’oceano, spesso romanticizzato nel cinema giovanile come simbolo di libertà, diventa invece uno spazio di confronto: con la mortalità, la dipendenza e la maturità emotiva. L’enfasi del film sulla comunità e sulla resilienza collettiva suggerisce un’opera meno interessata al sentimentalismo che alla resistenza emotiva.

In netto contrasto, Dua di Blerta Basholli radica l’adolescenza nelle soffocanti tensioni del Kosovo di fine anni ’90. Mentre In Waves contempla la vulnerabilità corporea attraverso la malattia, Dua colloca la vulnerabilità nel contesto della violenza etnica, del patriarcato e dell’imminente sradicamento.

La figura della giovane protagonista che si destreggia tra il collasso politico e le prime fratture della propria identità colloca il film in una potente tradizione cinematografica incentrata sull’eredità storica e sulla giovinezza rubata.

Ciò che unisce i due film è l’attenzione al risveglio – emotivo, fisico, politico – in condizioni di instabilità. La Semaine dimostra ancora una volta la sua capacità di individuare registi attenti al modo in cui le vite private vengono plasmate da più ampi sconvolgimenti storici.

La Quinzaine e il cinema dell’eredità

‘Butterfly Jam’, regia di Kantemir Balagov

Alla Quinzaine des Cinéastes, la giornata appartiene inequivocabilmente a Kantemir Balagov. Butterfly Jam, proiettato tre volte durante la giornata al Théâtre Croisette, arriva accompagnato da immense aspettative, dopo l’affermazione del regista come uno degli stilisti più intensi e carichi di emozione del cinema contemporaneo.

Ambientato tra un ring di wrestling e un ristorante circasso in difficoltà a Newark, il film sembra profondamente incentrato su temi come la mascolinità, l’identità diasporica e la violenza ereditata. Balagov ha esplorato a più riprese la trasmissione del trauma attraverso le generazioni, e Butterfly Jam sembra pronto ad estendere queste tematiche al terreno delle strutture familiari degli immigrati e della performance maschile. Già solo il cast – Barry Keoghan, Riley Keough, Harry Melling – suggerisce un ecosistema emotivo esplosivo.

Ciò che distingue il lavoro di Balagov è il suo rifiuto di separare la tenerezza dalla brutalità. La mascolinità nel suo cinema non è mai statica; è instabile, performativa, spesso profondamente spaventata sotto la sua aggressività. In un festival già saturo di film sulle identità frammentate, Butterfly Jam potrebbe emergere come una delle opere simbolo di questa edizione.

Accanto a questa proposta contemporanea, I Can’t Sleep di Claire Denis ritorna in un gesto di riflessione storica, in concomitanza con il conferimento del Carrosse d’Or onorario. Il ritratto di alienazione, immigrazione e frammentazione urbana del film del 1994 appare sorprendentemente attuale a più di trent’anni di distanza.

Denis ha sempre filmato le città come labirinti emotivi popolati da corpi alla deriva e tensioni invisibili, e la riproposizione di I Can’t Sleep nel contesto di Cannes 2026 rafforza il dialogo continuo del festival tra passato e presente cinematografico.

La Quinzaine costruisce così un affascinante dialogo intergenerazionale: Balagov rappresenta il futuro inquieto del cinema d’autore, Denis incarna la sua perenne coscienza radicale.

Cannes inizia a rivelare la sua anima

Ciò che emerge dal secondo giorno non è semplicemente una raccolta di proiezioni, ma il ritratto di un festival che gravita verso la vulnerabilità.

Attraverso paesaggi rurali giapponesi, ospedali parigini, coste californiane, strade del Kosovo segnate dalla guerra e tavole calde di immigrati a Newark, Cannes 2026 torna ripetutamente a individui che lottano contro le identità imposte loro dalla famiglia, dalla professione, dalla nazione, dalla memoria o dalla storia stessa.

Finora, nel cinema di quest’anno, si nota una sorprendente scarsità di trionfi. Al contrario, il sentimento dominante è quello della ricerca: di tenerezza dopo una rottura, di significato nella stanchezza, di identità in mezzo a strutture che crollano.

Eppure, questo non rende il festival cupo. Al contrario, il secondo giorno suggerisce una Cannes profondamente interessata alla possibilità di trasformazione. Questi film comprendono che l’identità non è mai fissa; viene costantemente negoziata attraverso il dolore, il desiderio, la violenza e l’amore.

E forse questa è la vera rivelazione di questo secondo giorno del festival: Cannes 2026 non guarda indietro verso la certezza, ma avanti verso l’ambiguità, verso un cinema abbastanza coraggioso da abitare l’irrisolto.

Il programma ufficiale qui.