I migliori film passati per il Sundance Film Festival

Fuori dal sistema di Hollywood sorge un Festival con l’obiettivo di porre la lente d’ingrandimento sulla cinematografia indipendente americana: il Sundance Film Festival. La manifestazione cinematografica statunitense si svolge a cadenza annuale nello Utha, nato nel settembre del 1978 con il passare degli anni si è affermato come un punto di riferimento dell’espressione pura del cinema, della libertà e profondità di pensiero.

In questo solco hanno trovato vita, albore e anche consenso alcuni titoli capaci di diventare pellicole cult dei giorni nostri. In questo articolo vi proponiamo cinque film straordinari assolutamente da non dimenticare.. e recuperare!

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Le Iene di Quentin Tarantino 

Presentato in anteprima mondiale al Sundance Film Festival nel 1992, Le Iene rappresenta l’opera prima di Quentin Tarantino. Il film ha segnato e coniato la denominazione ‘tarantiniano’ fornendo al mondo e alla critica un primo assaggio della sua filosofia, all’interno di un contesto condito da violenza, estasi, estremismo e citazionismo. Costruito attraverso tre episodi, Le Iene mette al centro black humor, dialoghi taglienti e moralità, usando come espediente una rapina andata male. Inizialmente Tarantino pensava di realizzare il film con soli 30.000 dollari, successivamente grazie all’interesse di Harvey Keitel – che ha anche co-prodotto il film – il budget è salito a oltre un milione di dollari. Nonostante le critiche ricevute per l’eccesso di violenza fu’ un titolo capace di tracciare un taglio netto creando una nuova evoluzione del noir: più grezzo, sporco, sociale e psicologico.

Clerks – Commessi di Kevin Smith

Presentato al Sundance Film Festival nel 1994, Clerks – Commessi di Kevin Smith è la dimostrazione concreta che il cinema indipendente può nascere da un bancone, da un turno di lavoro e da una carta di credito portata al limite. Girato in bianco e nero con un budget irrisorio, il film diventa manifesto generazionale e simbolo di un’America periferica, sospesa tra apatia e sarcasmo.

La macchina da presa resta spesso fissa, quasi teatrale, lasciando spazio alla parola, alle pause, all’imbarazzo. È un cinema che nasce dall’urgenza più che dal calcolo, dalla necessità di raccontare una generazione intrappolata tra sogni procrastinati e responsabilità rimandate.

Memento di Christopher Nolan

Memento, imperativo futuro singolare del verbo meminisse: “ricordati”. Un’esperienza frammentata in una linea temporale che scardina il tradizionale linguaggio cinematografico, la convenzione diventa bandita per lasciare spazio a un caos ordinato. Qui il tempo diventa ossessione, diventa bisogno, diventa necessità. Leonard Shelby è affetto da amnesia temporanea, questo a causa di un aggressione di due uomini con il volto coperto che hanno stuprato e ucciso sua moglie. E’ una storia di vendetta, inserita in una struttura innovativa in cui le certezze cessano di esistere e dove la memoria si rivela fallace, ingannevole e ingannata.

La memoria è il filo con cui è tessuta la nostra identità, senza, come possiamo stabilire chi siamo? Leonardo utilizza polaroid, tatuaggi, la scrittura, come arma contro l’amnesia. Arriva però a un punto in cui neanche lui riesce più a sapere di chi può fidarsi: comincerà a mentire a sé stesso nella disperata ricerca di trovare un senso alla propria esistenza. E’ possibile vivere se non abbiamo la possibilità di formare nuovi ricordi? Se non ci ricordiamo di noi, possiamo ancora essere qualcosa?

Scappa – Get Out di Jordan Peele

Forse, uno dei migliori thriller tra quelli usciti negli ultimi anni. Jordan Peele firma il suo esordio alla regia indirizzando la nave sulla giusta rotta, attraverso una tensione palpabile e mai banale, intermezzata da sordi silenzi, sguardi e cose non dette. La trama è semplice: Chris, ragazzo di colore, deve incontrare i genitori della sua ragazza, Rose. Quest’ultimi, come scoprirà Chris, si riveleranno essere post-schiavisti. Con l’utilizzo di ipnosi e operazioni cerebrali utilizzano i corpi delle persone di colore per affidarli ai bianchi più difettosi. Anello di congiunzione delle follie familiare è proprio Rose, l’amo da ‘cattura ragazzi’.

Get Out mostra forza, coraggio e convinzione. Affonda le sue radici con orgoglio, trattando il cinema black senza mezze misure ma graffiando e scoccando le proprie frecce. Ponendo la lente su un attuale presente e su un futuro che si fa torbido; su uno sfondo patinato che nasconde volutamente l’inquietudine e la paura.

“Avrei votato Obama per la terza volta se avessi potuto”

Il padre di Rose, a Chris.

Little Miss Sunshine di Jonathan Dayton e Valerie Faris

Tra i titoli che hanno segnato il passaggio dall’indipendenza alla consacrazione mainstream troviamo Little Miss Sunshine, diretto da Jonathan Dayton e Valerie Faris. Una famiglia disfunzionale attraversa l’America a bordo di un furgoncino Volkswagen giallo per accompagnare la piccola Olive a un concorso di bellezza. Un viaggio fisico che si trasforma presto in percorso emotivo. Ogni personaggio è una crepa: il padre ossessionato dal successo, la madre collante silenzioso, lo zio depresso, il nonno irriverente, il fratello votato al silenzio. Dayton e Faris mescolano ironia e malinconia con una leggerezza solo apparente. Little Miss Sunshine parla di fallimento in una società che idolatra la vittoria. Smonta il mito americano del “volere è potere” e lo sostituisce con qualcosa di più umano, fragile, autentico.

Il concorso finale diventa detonatore simbolico: il corpo infantile esibito, giudicato, addestrato alla competizione. Eppure, proprio lì, nel momento di maggiore esposizione, la famiglia trova unità. Non nella vittoria, ma nella condivisione dell’imbarazzo, nel coraggio di essere fuori posto. Perché forse la vera rivoluzione, nel cinema come nella vita, non è vincere. È restare fedeli alla propria imperfezione.